El violí elèctric

Un violí elèctric és simplement un violí amb un senyal de sortida electrònica. (El violí, és un dels instruments que ha passat per tots els períodes musicals i és un dels més antics sobre el planeta) ... El terme pot referir-se a un violí acústic amb un transductor electromagnètic o pastilla (en anglès 'pickup') d'algun tipus, però usualment es refereix a un instrument completament electrònic.Molts instruments tenen un cos sòlid, el que ajuda a prevenir la retroalimentació de les ressonàncies del cos buit sota la gran amplificació d'un escenari. No obstant això, el timbre d'un violí acústic es crea directament a causa d'aquestes ressonàncies, i és per això que un violí elèctric té un so molt més "cru" que un acústic, depenent de com es captura el senyal. Normalment, els violins elèctrics tenen un disseny minimalista i poc tradicional, per mantenir el pes el més baix possible.Sovint són vists com instruments "experimentals", estant menys establerts que les guitarres i baixos elèctrics. Per això, hi ha moltes variacions sobre el disseny original, com trasts, cordes extres, cordes simpatéticas o entenimentades barítonas que sonen una octava més baixes que les normals, tot això sense incloure els diferents efectes electrònics per modelar el so pur, en funció de les preferències de l'intèrpret.És molt més comú un violí elèctric amb 5 o 6 cordes que un instrument acústic. El cos, típicament sòlid, també acomoda la tensió causada per les cordes extres sense estressar massa l'instrument. Les cordes extres són, normalment, una corda de do baix amb 5 cordes, una de do baix i una de si alt o l'alt per a 6, i una de do baix, fa baix i si alt per a 7.Els senyals d'un violí elèctric normalment passen a través d'un procés electrònic, igual que una guitarra elèctrica, per obtenir el so desitjat. Pot ser reverberació, cors, distorsió, o qualsevol altre efecte.En tenir (normalment) cordes de metall, el so del violí pot ser captat amb pastilles magnètiques o piezoelèctriques, sent aquestes últimes les més comunes. Són usades per detectar vibracions físiques, en ocasions en el cos, però més comunament al pal. Alguns violins tenen una pastilla (o fins i tot dues) independent inserida en el pont sota cada corda. Aquest diposa d'uns amplificadors per poder escoltar correctament el seu so.Una menció a part mereix el violí clàssic però electrificat. El seu potencial acústic és inigualable ja que el mateix sona com el típic violí elèctric o com el que és realment, un violí acústic.

 

 

 

El violí és uns instrument amb una inmensa versatilitat i això o podem comprovar escoltant diferents cançons i veient com en canvia el so d'una a una altra:

 

 

 

 

 

Una estructura més complexa del que sembla

El Renaixement, l'època que va testificar el naixement d'aquesta família d'instruments, va ser una era de molts descobriments, no només en la música i en la construcció d'instruments, sinó també en la pintura, les arts plàstiques, l'arquitectura, i la construcció de màquines. L'artista i científic més important i polifacètic d'aquest llavors era, sense cap dubte, Leonardo da Vinci.
La situació en el món de la música, i en especial pel que fa als instruments musicals de l'època que anomenem el Renaixement Daurat, ens brinda certs elements de substància per assumir que la construcció del violí va ser un invent. La idea de construir semblant instrument va haver d'haver nascut dels nous descobriments del Renaixement, sobretot de les investigacions de Leonardo da Vinci sobre la tonalitat i el so.
No obstant això, els pitagòrics ja coneixien la paradoxa que l'home reconeix només uns pocs intervals com harmònics, i aquests intervals, que escolta com harmònics, es creen en un instrument de cordes col · locant els dits a diferents espais entre ells en cada un dels diferents tons. 

La nova família d'instruments del violí, la viola i el violoncel va ser revolucionària a aquests respectes. Les corbes amb voltes característiques d'aquests instruments han romàs sense canvi fins a l'actualitat, mostrant les mateixes proporcions fins al mínim detall. A diferència de gairebé tots els altres invents de l'home, aquesta forma ha prevalgut sense canvis per 550 anys.

Van eliminar els trasts, de manera que el mateix executant pot determinar l'afinació, i com tocar-la. A part de la veu humana, no hi ha instrument que permeti això. Quin avanç tan revolucionari en la música! Els instrumentistes finalment podien "cantar" amb el seu instrument. Aquestes dues circumstàncies també proven que no hi ha forma en què la família del violí pogués haver-se desenvolupat a partir d'algun altre instrument.

                                                          

 

El luthier Max Mockel, qui va treballar a finals del segle 19 a Sant Petersburg i Berlín, no va descansar fins haver investigat el veritable origen de la bellesa arquitectònica i sonora del violí. La seva idea era investigar si, a la llum del coneixement del Renaixement, pogués ser possible descobrir quin paper havien exercit Leonardo da Vinci, Luca Pacioli i Alberto Durero en la revolució de la construcció d'instruments. Així que va començar a buscar a les obres d'aquests grans artistes pistes que donessin suport les seves hipòtesis, i va arribar a la següent conclusió:De debò hi ha un secret italià? Sí i no. Si pensem en això com alguna mena de recepta, amagada en algun lloc en un vell bagul, llavors no. . . Hem traslladar-nos a l'època en què es va inventar el violí, ia les idees amb les que els vells mestres van crear les seves obres. . . Les ments més importants, per anomenar dos d'elles, Leonardo da Vinci i el seu amic Luca Pacioli, s'havien interessat poc abans, en el seu treball de tantes facetes, en els problemes matemàtics, i quan van veure el triangle i el pentàgon, no els van veure merament com a simples figures geomètriques, sinó que van veure en el pentàgon, per exemple, l'ull secret de Déu, una imatge sensible vivent, amb el seu número infinit de relacions, per tot el que és apropiat.

Amb aquesta hipòtesi com a punt de partida, Mockel desenvolupar un procediment per construir el violí, la viola i el violoncel, el model era el que Lucca Pacioli va cridar la divina proporció (a la divina proporció, la divisió d'una línia o una figura geomètrica és tal, que la dimensió més petita és a la major, com la major és al tot). Des de llavors, va construir molts instruments excel · lents amb aquest mètode.




Com tot en la naturalesa, la bellesa prové d'un ordre intern. El famós artista italià Leon Battista Alberti, a qui Alberto Durero va estudiar a profunditat, va dir una vegada:

     La bellesa és una concordança ordenada específica entre les parts, que consisteix en el fet que no pots afegir res, ni treure res, ni canviar res, sense que es torni menys satisfactori.
Leonardo i el seu amic Pacioli també sabien que, en els processos de creixement autosimilar, seguit trobes la porporció que Luca Pacioli va anomenar "divina" (també anomenada secció àuria). Ells també van reconèixer que no només es tractava d'un bell principi de les construccions matemàtiques, sinó del principi de la vida. El luthier Mockel desenvolupar un mètode per adoptar aquesta mateixa proporció com el principi fonamental en la construcció d'instruments.

Nicolau de Cusa, el científic-filòsof que va estar en contacte amb els grans pensadors de la seva època, va aportar una idea revolucionària i decisiva sobre això en el debat científic: la idea que totes les línies corbes, com els cercles, els arcs i altres, poden expressar-se mitjançant línies rectes. En fer això, va crear la base perquè fos possible construir i representar corbes matemàtica i geomètricament. Cusa sabia el que això significava per al desenvolupament futur de la música. Com va escriure:

 A més, a causa de l'anterior, s'estableix el següent: tal com cada línia recta pot ser el costat d'un triangle, un quadrat, un pentàgon i així de manera successiva, així, un pot trobar un nombre incomptable de línies corbes que són com una línia recta donada. Per tant, un també pot trobar ángulos que actuen com una línia recta donada, és a dir, com el costat i la diagonal en un quadrat, o el radi i la circumferència d'un cercle, i així en tots els plànols, que es comporten com les línies rectes donades.

 Per això és possible arribar a més conclusions, que fins ara no només estaven ocultes per la geometria, sinó que també eren desconegudes per a la música i els instruments musicals, de manera que per a aquell que faci el millor per entendre-ho, haurà de descobrir-se amb tota la seva claredat el que era absolutament susceptible de conèixer-se en la geometria, però que en realitat no es coneixia.
 
Leonardo da Vinci, que com a pintor va estudiar amb la major meticulositat la natura i l'home, sí estava familiaritzat amb aquestes noves idees. Però ell no només era pintor, sinó, sobretot, un investigador de la natura, un enginyer, arquitecte, escultor, músic i molt més. Però sobretot estava interessat en l'ordenament inherent de la naturalesa. Seguint l'exemple de Leonardo, el luthier Max Mockel va transportar el que el Renaixement va aprendre sobre la construcció geomètrica del cos humà, a la construcció del violí. La distància entre el polze i el dit índex de la mà esquerra li va servir com a patró (mensur) i punt de partida. Aquesta distància és el mensur de l'instrument a construir, és a dir, la distància des del pont fins a la vora de la caixa de ressonància. La següent construcció geomètrica de Mockel es basava en dos pentàgons verticals adjacents, dins dels quals penjava un quadrat que surava lliurement. D'aquí, va desenvolupar tres petits triangles rectangles que formen la base per construir tots els altres detalls.

Com es fabrica un violí?

Ara veurem un vídeo on expliquen d'una forma molt senzilla com es fa un violí:

Això ens podria portar a parlar sobre la construcció de violins, es creu que els millors violins que mai s'han fabricat són els stradivarius, arribant a costar al mercat milions d'euros. Però, per qué són tan especials?
Ningú ha aconseguit mai arribar a igualar o superar el so dels violins contruïts per aquesta casa italiana; que són sempre molt valorats pels millors músics de tot el mon.

Antonio Stradivari pot considerar l'artífex dels més famosos violins de la història. El luthier va construir, al seu taller de Cremona, més d'un miler d'instruments, des guitarres a violes, cellos, violins ... Avui dia, gràcies a la seva gran qualitat, sobreviuen unes sis-centes d'aquestes obres maestrass. , Gràcies al seu gran qualitat, sobreviuen unes sis-centes d'aquestes obres mestres. Han passat tres centúries des que van néixer i, en canvi, segueixen sent fascinantes.los instruments fabricats per diversos artesans a la fi del segle XVII i principis del XVIII sonen millor que els construïts en l'actualitat o, si més no, tal cosa afirmen molts experts. Durant anys s'ha investigat la raó de les excel · lents qualitats sonores d'aquests instruments. Es va afirmar que pogués tractar-se d'una tècnica secreta, el que en realitat suposa quedar-se a la ignorància sobre la veritable raó. Que si els pigments, el tractament de les fustes ... res ha estat concloent i el misteri roman.

Hi ha moltes teories sobre la fabricació dels stradivarius per aconseguir el seu so.


Molts creien que el vernís usat per Stradivari es feia amb una fórmula secreta que es va perdre en morir el seu creador, però exàmens de raigs X i anàlisi d'espectre en la superfície dels violins van revelar que tots van ser sotmesos a canvis en la seva estructura (especialment el mànec, el cordal i les cordes), i sovint l'únic que queda del treball original és el cos mateix, que va ser reenvernissada periòdicament.

Una altra teoria diu que el punt clau va ser el temps que va prendre assecar les fustes d'auró i avet amb que estan construïts; això també va ser desmentit estudiant la fibra de la fusta. Les línies van ser comparades amb models d'arbres que van viure en aquesta època i es va poder determinar el temps d'assecat simplement prenent la diferència entre la data de construcció (que era deixada per Stradivari en una etiqueta a l'interior de l'instrument) i el càlcul de quan havia estat tallat l'arbre. Això va revelar que la fusta s'havia assecat durant no més de 20 anys, i no 60 o 70, com es creia.Una altra teoria assenyala que el període de fred extrem que va patir Europa en els anys en què Stradivari va viure, una petita edat de gel, va poder ocasionar que els arbres que van créixer durant aquesta època desenvolupessin una fibra més compacta i amb una millor qualitat mecànica sonora. No obstant això, existeixen instruments construïts en la mateixa època, amb fusta dels mateixos arbres, que no van aconseguir la magnificència d'un Stradivarius.També la coneguda teoria de l'arbre de Stradivari, la qual assenyala que el mateix Stradivari va trobar un arbre dins d'un riu; l'enorme tronc d'aquest arbre va crear alguns dels seus més renombrados instruments. Aquesta teoria es troba justificada a través del concepte de vibració que adquireixen els materials amb el temps. Es diu que la pròpia fusta va adquirir la vibració del riu, el que li dóna un so únic i irrepetible. És clar que aquesta teoria pot estar basada en un intent per incorporar a la història de la fabricació dels instruments un aspecte més poètic. Stradivarius construir el seu primer violí als 20 a Sant Petersburg segons alguns científics.Hi ha una altra teoria, la més romàntica, que ens explica que els stradivarius es feien amb fusta de vaixells enfonsats.Finalment, la teoria que sembla més encertada fins al moment és una que va ser resultat d'aquests anàlisis d'espectre en la superfície i en part de l'encenall residual obtinguda de l'interior d'un Stradivarius amb sistema endoscòpic. Aquestes proves van revelar la presència de partícules metàl · liques molt pegades a la fusta, el que podria suggerir que el gran mestre va fer un fi tractament a les fustes que usava amb dissolucions de sals metàl · liques, la qual cosa hauria conferit als seus instruments la força i riquesa de so que tant s'aprecien.



*El gener del 2009 es van publicar, a la revista Public Library of Science, 1 2 els resultats d'una investigació realitzada durant tres dècades amb mostres molt petites (capes molt primes) preses d'un Stradivarius en reparació: un dels autors de l'estudi, el doctor Joseph Nagyvary, especialista en bioquímica i professor de química a la Universitat de Texas A & M, va assegurar haver trobat proves que a Itàlia, al "període daurat" de la construcció d'aquest tipus d'instruments, entre 1700 i 1720, una plaga de insectes va afectar els arbres de la zona i va ser la clau de l'èxit de Stradivari. El fabricant de violins "va utilitzar bòrax (un component mineral actualment usat per a la fabricació de detergents i cosmètics, i també com a retardant d'incendis, com a insecticida i com a agent antifongs) per preservar els instruments contra els insectes", sense saber que això tindria també efectes sobre la sonoritat. Usat com a insecticida i preservador de la fusta des de l'època de l'antiga civilització egípcia, on es va usar també per momificar restes humanes, el bòrax es va utilitzar com a protecció en la primera capa de la fusta dels instruments.

A ciència certa no es sap què pot haver causat el so dels stradivarius, l'únic que sabem és que mai més es podran tornar a fabricar uns violins com aquells.

El violí i la música celta

La música celta que avui coneixem és una part de la que sempre exisití. Els instruments més representatius van ser i ho són avui dia, el Harpa i el amb el pas del temps van adoptar la flauta, el violí o la viola. Quan els anglesos o britànics van envair a l'època moderna la bella illa, van introduir la seva pròpia música, apartant de la vida social els sons celtes. Només als pobles, entre la gent més humil se seguien interpretant. Avui en dia a Irlanda tenim a: Mary Black, els Chieftains i altres que rescaten les velles cançons irlandeses, tant celtes com les que es van anar creant en els pobles, encara que quedin pocs grups celtes que només vulguin cantar en gaèlic irlandès. L'anglès com a llengua actual per a l'expansió comercial, és evident entre tots els irlandesos.

Música celta és el terme utilitzat per descriure un ampli grup de gèneres musicals que parteixen de la tradició musical popular dels pobles considerats de tradició celta d'Europa Occidental. Com a tal, no existeix un cos musical real que pugui ser descrit com celta, però el terme serveix per unificar tant músiques estrictament tradicionals de determinades regions geogràfiques, com un tipus de música contemporània d'arrel folklòrica amb un mateix origen etnològic i musical.
El terme significa principalment dues coses: en primer lloc és la música dels pobles que s'autodenominen celtes, a diferència de, per exemple, la música francesa o la música anglesa, definides per existir dins d'unes fronteres polítiques clares. En segon lloc, es refereix a les característiques que serien exclusives de la música de les anomenades nacions celtes. Alguns, com Geoff Wallis i Sue Wilson en la seva obra The Rough Guide to Irish Music, insisteixen que moltes de les tradicions agrupades en l'etiqueta "celta" són ostensiblement diferents entre si (per exemple, la gaèlica i la bretona) i en realitat tenen res o poc en comú. Altres, sobretot músics com Alan Stivell, diuen que sí en tenen, en concordança amb estudis més antiguos.1




Sovint, per la seva àmplia difusió, el terme "música celta" s'aplica a la música d'Irlanda i Escòcia ja que tots dos llocs s'han produït estils ben coneguts que comparteixen molts i evidents trets comuns, tant en el musical com en el lingüístic (cultura gaèlica). No obstant això, és notable que els músics tradicionals irlandesos i escocesos eviten el terme música celta, excepte quan es veuen obligats per les necessitats del mercat, i quan es produeixen en festivals de música celta fora de les seves fronteres. La definició es complica encara més pel fet que la independència va permetre a Irlanda promocionar la música celta com un producte específicament irlandès, quedant així difuminats seus llaços musicals amb la veïna Escòcia (llaços que han estat en gran part restablerts pels músics moderns) . Escocesos i irlandesos, encara que diferents i separats en el polític, comparteixen una mateixa ascendència cultural i, per tant, pot parlar d'un patrimoni musical celta (o gaèlic) comú a tots dos.
Aquests estils gaèlics gaudeixen de renom internacional a causa de la influència d'irlandesos i escocesos en el món de parla anglesa, especialment als Estats Units, on van tenir un profund impacte en músiques americanes com el bluegrass i el country.2
La música de Gal · les, Cornualla, l'illa de Man, Bretanya, Galícia, Astúries, i algunes zones de Cantàbria Lleó i Portugal són sovint etiquetades també com "música celta", encara que poc tenen a veure les seves respectives tradicions amb la música que constitueix la seva principal referència, és a dir, la gaèlica d'Irlanda i Escòcia. [cita requerida] El moviment musical celta, de caràcter romàntic [cita requerida] i vinculat a vegades a reivindicacions de minories culturals i nacionals, és particularment fort a Bretanya, on diversos festivals de música celta tenen lloc al llarg de l'any, en paral · lel i concordança amb altres celebracions tradicionals (festes locals i festoù-noz) en què la música bretona té un lloc destacat i que acullen bandes i músics d'altres països de tradició celta . De la mateixa manera, Gal · les manté les seves antigues celebracions, com el Eisteddfod. Existeix a més una dinàmica escena musical en el si de les comunitats estrangeres d'origen irlandès i escocès, especialment a Canadà, on s'uneixen grups de tradició bretona, i als Estats Units.

 

 

El paper del violí a l'orquesta

La orquesta simfònica està organitzada d'aquesta manera:

 Podem veure que just al costat del director hi ha un violí anomenat concertino que dpodriem dir que és la ma dreta del mateix.

Qué és el concertino d'una orquesta?

És la persona de major jerarquia després del director, el que executa els solos de violí en cas que n'hi hagi, amb excepció dels concerts, en què és probable que intervinguin diversos violins solistes. El concertino pren decisions respectives a la tècnica d'execució dels violins, i, en ocasions, de tots els instruments de corda, i pot encarregar-se de l'afinació de tota l'orquestra (només corda) abans dels assajos i actuacions i altres qüestions tècniques . De vegades ajuda a la direcció de l'orquestra amb petits gestos o senyals que marquen temps que no poden ser indicats només per la batuta del director.

Durant el renaixement en les orquestres de Músics com Monteverdi i Vincenzo Galilei (el pare de galileu), el violí estava relegat a funcions de color, ja que s'imposava la família de les violes dóna gamba i dóna bracchio, és en el barroc amb els avenços dels lauderos cremoneses i les innovacions de l'escola napolitana i veneciana on la família del violí comença a suplir les violes, en tenir més potència i capacitat tonal.
El pas decisiu en l'orquestra ve en el clàssic amb l'escola de Manehim i l'orquestra de Stamitz que té un nombre definit de cuerdistas, alens i percussions, que van permetre els avenços simfònics posteriors; es va incrementar el nombre d'integrants en funció d'equilibri al color dels metalls nous (clarinets, trompetes corns de claus). Amb les noves orquestracions encapçalades per Berlioz i els modernistes de la seva època es van incrementar més les cordes.
Les cordes és la base de tota orquestra, suporten el pes harmònic.
Des de sempre el paper delñ violí a l'orquesta ha sigut molt important i ha sigut el protagonista de moltes obres.

L'instrument del diable?

Des de fa molt de temps la música del violí és associada al diable, però a qué es deu això?

Podriem atribuir aquest fet a l'época de Niccolò Paganini, (1782 – 1840)  va ser un jove compositor italià que ha sigut un dels més virtuosos que ha existit mai. Sempre s'el va relacionar amb el dimoni entre altres coses pel seu aspecte demacerat, que tocava a les nits al cementari, que va negar l'església, etc.

Paganini patía una malaltia que feia que tingués els ossos molt llargs (hi ha gent que assegura que les mans li mesuraven 40 cm). Aquesta malatia era probablement a la vegada la que li provocava els dolors que els feien tenir un aspecte pàlid, apagat, ossut i mortífer. 

Una vegada un home va dir que havia vist com invocava el dimoni i li jurava fidelitat. La gent va començar a repetir la història i això feia que les entrades per als concerts de Paganini  es venguessin ràpidament. Però poc a poc aquesta fama se li va anar de les mans i el va perjudicar.

El dia de la seva mort l'Ovispe no va deixar que l'enterresin al cementiri i a quedar-se fora, devorat per les bèsties.

Potser la llegenda del violinista del diable es va basar en el que alguna vegada relat Tartini sobre la seva sonata "El trino del Diable"

"Una nit, el 1713, vaig somiar que havia fet un pacte amb el Diable i estava a les meves ordres. Tot em sortia meravellosament bé; tots els meus desitjos eren anticipats i satisfets amb escreix pel meu nouservent. Va passar que, en un moment donat, li vaig donar el meu violíi el desafiar a que toqués per a mi alguna peça romàntica. La mevasorpresa va ser enorme quan ho vaig escoltar tocar, amb granbravura i intel · ligència, una sonata tan singular i romàntica com maiabans havia sentit. Tal va ser la meva meravella, èxtasi i delit que vaig quedar bocabadat i una violenta emoció em va despertar.Immediatament vaig prendre el meu violí desitjant recordar almenys una part del que recentment havia escoltat, però va ser en va. La sonata que vaig compondre llavors és, per lluny, la millor que mai he escrit i encara la dic "La sonata del Diable", però va resultar taninferior al que havia sentit en el somni que m'hagués agradat trencar el meu violí en trossos i abandonar la música per sempre .... "

Joshua Bell

El seu primer contacte amb el món de la música es remunta a quan tenia quatre anys. "Els meus pares em van introduir en el so del violí", va dir. "No vaig ser jo qui el va elegir".
Va realitzar els seus estudis de violí a la Universitat d'Indiana sota la direcció de Josef Gingold. Als catorze anys, va aparèixer com a solista amb l'Orquestra de Filadèlfia, dirigida per Riccardo Muti. Va debutar al Carnegie Hall el 1985 amb l'Orquestra Simfònica de Saint Louis. Des d'aleshores ha tocat amb les orquestres i els directors més importants del món.
A més d'interpretar el repertori normal de concerts, Bell ha tocat obres noves-Nicholas Maw li va dedicar el seu concert de violí, el qual Bell va estrenar el 1993. Va interpretar la part solista de la banda sonora escrita per John Corigliano per la pel·lícula "El Violí Vermell"  la qual va rebre un Oscar a la millor banda sonora. També toca música de cambra.
Actualment té un violí Stradivarius de 1713 anomenat el Gibson ex Huberman (donat a que abans li va pertànyer al violinista Bronislaw Huberman), pel qual va pagar un preu al voltant de 3.5 milions de dòlars

Fa unes quantes setmanes el diari de la capital nord-americà The Washington Post va dur a terme un curiós experiment tenia com a finalitat calibrar, més o menys, el gust artístic del ciutadà mitjà de la capital de l'imperi, i per extensió, el de l'americà "tipus mitjà ", que francament no sé en què consisteix. Per dur a bon terme el seu experiment, van convèncer a un dels més grans i prestigiosos violinistes del món en l'actualitat, Joshua Bell, perquè, vestit amb texans, una samarreta senzilla i portant amb si, això sí, el seu violí de 3 milions de euros, descendís a primera hora del matí fins una de les andanes d'una estació del metro, i toqués amb el seu caríssim instrument sis peces de Bach.Els promotors de la idea volien esbrinar si els usuaris del metro sabien distingir el so d'un concertista de violí de qualitat excepcional del d'un senzill músic de carrer, i fer del resultat una pedra de toc de com està calibrada la sensibilitat artística del ciutadà comú. El resultat va ser que durant els poc més de quaranta minuts que Joshua Bell va tocar les peces de Bach, només va obtenir unes quantes monedes d'almoina i només uns pocs usuaris del metro, que podien comptar gairebé amb els dits de les mans, es van aturar alguns minuts a escoltar amb atenció al músic d'excepció. La resta dels ciutadans que a aquella hora passejaven les seves presses i preocupacions pels passadissos del metro, van passar al costat del violinista dirigint als seus quefers quotidians amb la velocitat de sempre, sense parar ni un segon d'especial atenció a la música de Bach que sortia d'un violí de 3 milions d'euros tocat per un instrumentista que omple a tot el món sales de concert costant desenes de dòlars les entrades més barates. Pel que sembla només una dona va arribar no només a interessar de veritat per la qualitat de la música que podia escoltar gratis als túnels del metro, sinó que fins i tot va reconèixer a l'intèrpret i li va dir que ja l'havia escoltat a la Biblioteca del Congrés, i que recordava aquell concert com meravellós.

Això ens demostra que molts cops la gent no aprecia l'art de la música, perqué si ningú va apreciar al millor  violinista del món tocant de franc al metro: com pot apreciar la gent qualsevol músic que es vulgui guanyar la vida tocant al carrer? 

Per tant m'agradaria a la mateixa pàgina que he parlat de Joshua Bell deixar alfuns videos de músics que toquen al carrer dels quals ni es sap el nom: